Teso glass stil. Hvor finner du sjeldne stiler. Priser på glassmalerier

Alle sjeldne stiler, unntatt imperialistiske, finnes bare i veteransoner. De to første, primitive og barbariske stiler, kan finnes i sonen til den andre alliansen (for oss - Dominionen), henholdsvis Ayleid og Daedric, i den tredje alliansen (for oss - pakten).

dvemerskiy- den kan bare finnes i containerne til Dwemer-ruinene, enten i deler (15 deler av episk kvalitet) eller i helhet (en legendarisk del). I tillegg vil han trenge materiale som er hentet fra Dwemer-mekanismer (mobber) og må rengjøres, det vil si at du trenger minst 10 stykker for å kunne rengjøre og bruke dem. Zivkin- faller fra kistene i skattene til keiserbyen.

glass - deler av kapitler faller ut for utførelse av kunsthåndverk, materialet kommer fra kister i hele Tamriel.

Mercenary Style - (i Orsinium) synker med en sjanse på 40% fra bronsekistene til Undaunted, med en sjanse på 50% fra sølv og 60% fra gull. Materiell for ham krever kunnskap om minst ett kapittel, i så fall vil prosentandelen av tap fra den endelige sjefen i veteranfangehullet være 50%, for hvert neste kapittel - + 4% til sjansen. For normale fangehull er sjansen delt med 4.

Akaviri- Selges av Siege-kjøpmann for AP.

Gamle Orochith - dropper ut av fiender i offentligheten til Orsinium. Stilmateriale er hentet fra ressurskilder i Orsinium.

Rkindaleft - skjold
Gamle Orsinium - dolk, støvler

Alliansestiler - finnes i kistene til Cyrodiil og Imperial City, og materialer til dem selges på Siege Merchant for 10.000 AP stykker (overført).

Kriminelle stil (Outlaw) dropper fra sjefer og i fangehullene til Hughes Bane, materiale til det (Rogue Soot) - fra ressursknuter (som i Orsinium).

Visnet stil (soul-shriven) kan fås ved å lukke Cadvells Silver Quest, og materiale for det (Azura plasm) er oppnådd fra kister for lukking av dolmens.

Trinimac - Fanget i kister for å gjøre daglige oppdrag i Orsinium for å utforske huler. Auric Tusk-materiale blir droppet fra sjefer i Orsinium fangehull (normalt).

Malacath- Tilsvarende faller Trinimaku i kister til daglig, men for å drepe sjefer. Potashmateriale faller fra overflate-sjefer i Orsinium.

frivillig takknemlighet

Hvis du likte montering av tillegg eller artikler, kan du takke forfatteren ved å bruke skjemaet nedenfor, som støtter utviklingen av prosjektet.

Glassmalerier overlever sin renessanse. Fargede glassmalerier blir stadig oftere brukt av designere til å dekorere interiør i en veldig annen stil. Et slikt bilde kan dekorere et rom, bli dets aksent, sette tonen for hele interiøret. Men før var fremstilling av glassmalerier en arbeidskrevende og kostbar affære, men moderne teknikker lar deg lage mesterverk på glass selv.

Stiler og teknikker

Det er mange stilarter av glassmalerier, fordi glassmaleriet i seg selv dukket opp i middelalderen. Over tid forandret det seg, noe som gjenspeiler kulturene i forskjellige land og epoker, med ankomsten av nye teknikker som gjorde det mulig å diversifisere materialene som ble brukt. I dag brukes flere stiler for å dekorere lokalene.

Classic. Det innebærer et symmetrisk mønster, blomstermotiver eller geometrisk mønster. Utføres i varme, pastellfarger. Det er passende i et klassisk interiør med klare linjer, solide, tunge møbler.
Gothic. Dette er stilen til de katolske kirkene i middelalderens Europa. Skumring, lengter opp trange lancetvinduer og høye tårn med spir, mørkerød, skarlagen, gull, grønn, blå, lilla. Den bruker religiøse motiver eller scener fra livet til middelalderske riddere, slott, utnyttelser, drager, enhjørninger. Gotisk glassmaleri gir rom et snev av mystikk, fabelaktighet. Det var i løpet av middelalderen at de mest berømte glassmaleriene ble opprettet, anerkjent som mesterverk.
Målt glass i gotisk stil - en eventyr og mysterium i hjemmet ditt
Modern. Kanskje en universell stil for ethvert interiør. Hovedmotivene for denne stilen er marine, ideen er prioritering av form fremfor innhold. Denne stilen er preget av glatte bisarre linjer, på en eller annen måte gjentar formen på havbølgen, nåde, raffinement. Bleke, dempede farger, halvtoner, blågrønn gamma. Art Nouveau går bra med moderne teknologi og kommer godt overens med det høyteknologiske interiøret.
Art Nouveau glassmaleri er passende i ethvert interiør
Abstrakt. Det innebærer et geometrisk mønster og lyse, gledelige farger. Det kommer ikke i konflikt med nesten noe indre, med unntak av de mest ortodokse. Introduserer spesiell emosjonalitet i rommet. I et abstrakt glassmaleri er det viktig å opprettholde en balanse mellom form og farge, og da blir han aldri lei, lading med optimisme og oppmuntrende kreativitet.
Målt glassvindu i en abstrakt stil passer for ethvert interiør og vil aldri bli lei
Egyptisk. Myke malerier i sandbrun. Figuren gjengir egyptiske hieroglyfer, guder, faraoer og scener fra deres liv.
Antique. Maleriene ligner antikke mosaikker med gamle greske plott. Tilstedeværelsen av mange små detaljer er karakteristisk. Passer for rom i minimalistisk stil.
Antikk glassmaleri er ofte et ferdig verk.
Byzantine. Det kjennetegnes ved bruk av ikke bare farget, men også gjennomsiktig glass, som gjør at bildet ser ut til å henge i luften. Slike glassmalerier ligner maleri på glass, egnet for rom fylt med lys.
Bruken av gjennomsiktig glass i den bysantinske stilen skaper illusjonen av et flytende bilde i luften
Avangard. Plottet på bildet kan være hvilken som helst. Men takket være moderne ytelsesteknikker får han en følelse av volum. Bildet er flersjiktet, med tredimensjonale detaljer, på gjennomsiktig eller frostet glass, blankt, skinnende. Et slikt glassmaleri gir tonen for hele rommet og gjør det trendy.
Malt glassmaleri i fargard-stil kan inneholde voluminøse detaljer

Glassmaleriet i interiøret skaper en kraftig aksent, så det er viktig å ikke ta en feil når du velger en stil. Det skal være i harmoni med den generelle stilen i rommet eller stille det inn. Da vil resten av interiøret komplementere og slå det uten å skape dissonans.

Du kan dekorere med glassmalerier ethvert glass- eller speiloverflate. Dette vil gi interiøret originalitet, originalitet og en følelse av luksus. Plasser et glassmaleri i ethvert rom.

Hvor å plassere et glassmaleri i en leilighet

Vinduene. Glassmaleriet vil gi soverommet en følelse av hygge, og barnehagen - fabelaktig. Glassmaleriet i vinduet kan brukes som beskyttelse mot solen, skjule badet fra nysgjerrige øyne, gi festlighet og komfort på kjøkkenet.
Blomstermønsteret på balkongvinduet vil skape illusjonen av et landsted
Door. Du kan dekorere både hele glassdører og glassinnsatser. Tegningen gjøres best i samme stil på alle dører.
Mønsteret på alle dører er best vedlikeholdt i samme stil.
Falske vinduer. Dette glassmaleriet er opplyst og installeres ofte på bad eller på landinger.
Glassmaleri vil bidra til å unngå følelsen av innesperret plass og i tillegg dekorere rommet
Taklamper. Store glassnyanser eller akrylinnsatser i taket vil gi interiørens originalitet.
Gotisk interiør vil være dekorert med et glassmaleri
Glassskillevegger. De kan være transparente og matte. Slike skillevegger installeres ofte mellom kjøkkenet og badet eller toalettet og badet. Glassmaleriet slipper lys gjennom, men lar deg ikke se hva som skjer bak det.
Glassmaleri - en god løsning for å regulere rommet
Møbelfasader, benkeplater i glass. Å dekorere møbler med glassmalerier er en god måte å gi det personlighet. Selv gamle møbler dekorert med glassmalerier ser dyre og luksuriøse ut.
Glassinnsatser passer både til møbler i stuen og på kjøkkenet

Som allerede nevnt, skal tegningen av tegningen samsvare med den generelle stilen og atmosfæren i rommet.
Mørke toner og horisontale linjer er egnet for romslige rom med stor takhøyde, de reduserer visuelt plassen.
De mørke tonene i glassmaleriet skaper en atmosfære av mystikk, men reduserer visuelt plassen
Målt glass på speilet er et godt valg for små rom. Det vil skape et perspektiv på rommet og visuelt forstørre rommet.
Et glassmaleri på et speil vil skape en følelse av perspektiv og utvide et lite rom
Overfloden av lyse farger og fargerike bilder kan bli trett over tid. Tenk på dette når du velger et ornament.
For soverommet og barnehagen er det bedre å velge rolige lyse toner som bidrar til avslapning.
For et soverom er det bedre å foretrekke rolige toner.
Det er passende å dekorere kjøkkenet med et landskap eller stilleben, og badet med en sjøtomt.
For badet er tomter med fisk egnet

Men ikke noe glassmaleri kan utføres uavhengig av hverandre. Det er flere typer ytelsesteknikker.

Typer utstyr

Klassisk eller sett. Den mest komplekse og eldste teknikken. Fargede glassfragmenter settes inn i metallrammer, settes sammen til et bilde og loddes. Teknikk krever et spesielt verktøy og ferdigheter. Den brukes til store strukturer og bare av profesjonelle.
Glassmaleriet i klassisk teknikk er uunnværlig for store områder
Engelsk eller film. Mønsteret er dannet på glass fra en selvklebende film av glassmalerier. Hvert fragment kuttes separat og limes på stedet definert av sjablongen. De limte fragmentene er innrammet med blybånd. Med visse ferdigheter kan et slikt glassmaleri lages uavhengig av hverandre.
Fusing. Glassmaleriet er laget uten metallramme ved å sintrere flerfargede fragmenter til et monolitisk mønster. Det er umulig å lage et slikt glassmaleri hjemme; en spesiell ovn med høy temperatur er nødvendig.
Glassmaleriet med smelteteknikk forbløffer lysets farge og komposisjonens integritet
Tiffany. Denne teknikken ligner den klassiske. Fragmenter av mønsteret er skåret ut av farget glass og kantet av et kobberbånd. Ferdige elementer settes sammen til et mønster og loddes sammen. For nybegynnere er denne teknikken komplisert, men den kan mestres og brukes hjemme.
Tiffany glassmaleri erstatter vellykket den klassiske teknikken
Sandblåsing. Det består i prosessering av glass med sjablongsand matet under høyt trykk. Behandlede områder blir kjedelige, og figuren blir luftig. Hjemme, ikke aktuelt, krever spesialutstyr.
Cast. Hvert element støpes eller blåses ut av glass separat. Etter det blir fragmentene samlet på et bilde ved bruk av armering eller mørtel. Hjemme, ikke aktuelt.
Etsning. Etsning av glass med flussyre skaper dype lettelsesmønstre. Bruken av denne sterke syren hjemme er helsefarlig.
Malte glassmalerier. Mønsteret kopieres på glasset og skisseres. Etter at konturen tørker, blir hulrommene malt med glassmalerier.
I malt teknikk kan du lage ekte malerier
Konturfyllstoff. Som med den malte teknikken, blir tegningens kontur først utarbeidet. Etter at det tørker, fylles hulrommene med maling med et tykt lag. Om nødvendig jevnes malingen med en børste eller trepinne.
Jellied teknikk imiterer mest vellykkede klassiske stiler

Video: DIY-filmmaleri

Det mest tilgjengelige for uavhengig produksjon av malt glassmalerier og konturfyllingsutstyr. De krever ikke spesiell kunnskap, materialer og verktøy, og kan simulere nesten hvilken som helst annen teknikk. For fremstilling av slike glassmalerier trenger du bare spesiell maling, nøyaktighet og tålmodighet.

Video: DIY Tiffany glassmaleri

Hva som skal til for å lage et glassmaleri

Før du begynner, forbered deg på alt du trenger. For malt og oversvømmet glassmaleri trenger du maling.

maling

Spesielle glassmalerier eller akrylmaling på glass brukes. Alle av dem har sine egne egenskaper.

Akrylmaling

Sammensetningen inkluderer tre hovedkomponenter: pigment, vann og akrylpolymeremulsjon. Selges i rør eller banker.

Akryl selges i glass og rør.

Akrylmaling tørker raskt, hvoretter de blir motstandsdyktige og spenstige. Etter tørking er de motstandsdyktige mot endringer i temperatur og fuktighet. Å skrape det tørkede belegget er veldig vanskelig, i tillegg til å fjerne det med sandpapir.

Akrylmaling tørker raskt, de er praktiske å jobbe hjemme

Fargen på det ferdige belegget er matt, lys. Det er ikke utsatt for utbrenthet og falmer ikke over tid. Maling i forskjellige farger kan blandes med hverandre. Etter bruk vaskes børsten med vann, for tørket opp må du bruke et løsemiddel.

Det er to typer: brennende og ikke-brennende. Kalsinert etter påføring varmes de opp i ovnen, herder og blir motstandsdyktige mot ytre påvirkninger. Branntemperaturen er angitt av produsenten på emballasjen.

Glassmalerier kan fyres og ikke fyres

Hvis malingene ikke blir brent, vil de etter en uke tørke og herde på samme måte som under avfyringen, men frem til dette tidspunktet er det fare for å smøre dem inn. Vannbaserte malinger, og det er derfor den avles. Børster vaskes også med vann.

Ikke-fyrte malinger tørker fra 1 til 3 dager, avhengig av produsent. Mønsteret krever fiksering ved å påføre et lag nitrolac.

Disse malingene er mer lyse. De er tykkere på grunn av det syntetiske løsningsmidlet som er inkludert i deres sammensetning. De passer godt, de er mer praktisk å jobbe på vertikale flater.

Hjemmelaget maling

Noen håndverkere foretrekker å bruke sine egne malinger. De er enkle å lage på egen hånd fra det som selges i jernvareforretninger.

Basert på nitrolac. Brukt NTs-2141 eller lignende. Nitrolac fortynnes med løsningsmiddel 647, i forholdet 1 til 0,4. Den er farget med kunstoljemaling eller konstruksjonsfarge. Fargestoffet tilsettes litt etter litt til ønsket fargeintensitet er oppnådd.
Basert på lim BF-2. Limet fortynnes to ganger med aceton, farget med alkoholbasert fargestoff. Det kan være en kulepasta eller annen maling. Emulsjonen omrøres i et glassfat, smakt på glass. Tilsett eventuelt maling for å oppnå ønsket intensitet.
Gelatinbasert. 5-6 g gelatin brygges med 200 ml varmt vann til pastaens og fargestoffets konsistens tilsettes stoffet. Tegning fra en slik maling krever fiksering med nitrolakk.

I tillegg til maling, trenger du en kontur for å fungere. Dette er en spesiell tykk pasta for å skissere mønsterets kanter. Den imiterer metallrammer for smaltstykker i malte og oversvømte glassmalerier.

kontur

Konturavlastninger lages på vannbasis, selges i rør. Med deres hjelp er tegningen skissert av en kontur, som deretter er fylt med maling. Det kan brukes til å lage et tredimensjonalt bilde.

Konturer av glassmalerier kan brukes til å lage et volumetrisk mønster.

Hjemme kan konturpasta tilberedes basert på PVA-lim. For å gjøre dette trenger du 50 ml PVA-redskaper, 20-30 ml naturlig svart mascara (det beste er nederlandsk), 30-40 gram sølv eller bronsepulver.

I limet under konstant omrøring innføres mascara, og deretter pulveret, til en kremet konsistens oppnås. En slik pasta tilberedes etter behov, den lagres ikke. Før bruk, bland hver gang. Mestere bruker den med en børste, og danner en rulle, det er mer praktisk for nybegynnere å bruke en konfekt sprøyte.

Nødvendige verktøy

For fremstilling av glassmalerier ved bruk av forskjellige teknikker krever et spesielt verktøy. I håndtegnet og gelert teknikk vil det trenge et minimum:

linje;
en blyant;
glassmerke;
børster;
trepinner eller tannstikker.

Og selvfølgelig er det umulig å lage glassmalerier uten en sjablongtegning. Hvordan du gjør det, vurder mer detaljert.

Sjablong for glassmalerier

En passende sjablong kan kjøpes i en spesialforretning eller fra en glassmaler. Men det er mye mer interessant å lage en sjablong selv og velge riktig skisse.

Ikke velg en skisse med mange detaljer og tomrom, et slikt bilde vil se rotete ut på det ferdige glassmaleriet.

Bildet kan lastes ned fra Internett og ganske enkelt skrives ut i riktig skala, gitt størrelsen på det fremtidige glassmaleriet. Eller ta favorittbildet ditt, postkort og forstørr til ønsket størrelse.

Fotogalleri: sjablongprøver for selvskapende glassmalerier

Blomstermotiver går aldri i stil og passer for ethvert rom. Sjablongdetaljer er nummerert for enkel maling av glassmalerier Rutenettet komplementerer blomsten og gir bildet et ferdig utseende. Birds - Another Timeeless Story for Stained Glass

Nummer detaljene på bildet i samme farge. Dette vil hjelpe deg å ikke gjøre feil når du farger.

Slik forstørrer du et bilde

Tegn et mønster på celler med en side på ikke mer enn 1 cm.
Nummer det resulterende rutenettet loddrett og horisontalt.
Mål fra glassmalerier.
Overfør dimensjoner til papir.
Merk arket med antall celler i figuren.
Tegn et rutenett på arket i samsvar med markeringen.
Overfør bildet fra postkortet til papiret i større målestokk med celle.
Det ferdige bildet kan justeres, endre farger.

Hvis du har tegneferdigheter, kan du lage et mønster selv. For å gjøre dette, overfør dimensjonene til det fremtidige glassmaleriet til et papirark og merk omrisset av mønsteret. Tegn med en enkel blyant for å kunne rette opp unøyaktigheter.

Når du velger et bilde, må du huske at proporsjonene kan lide under forstørrelse. Om nødvendig tegner du ikke ruter, men med rektangler.

Tegn detaljene, du skal få et solid bilde. Sirkle det ferdige mønsteret med en kulepenn eller en tynn markør.

applique

Når du har forberedt alt du trenger, kan du begynne å produsere glassmalerier. Forsikre deg om at arbeidsflaten er flat og husk at glass kan gå i stykker hvis det håndteres uforsiktig.

Glassproduksjon: trinnvise instruksjoner

For å beskytte deg mot kutt kan kantene på glasset limes på med maskeringstape før du arbeider.

Video: en mesterklasse i fremstilling av glassmalerier ved bruk av fyllutstyr

Etter å ha mestret malte og fyllingsteknikker, kan du prøve deg i den engelske film- eller fusjonsteknikken. Det vil kreve store utgifter, materialer og ferdigheter, men det er verdt det.

Fotogalleri: noen ideer for å plassere glassmalerier i interiøret

Abstrakt illustrasjon egnet for høyteknologisk stil. Blomsterpynt dekorerer stuevinduene Målert glass på baderomsvinduet vil gi en spesiell atmosfære og beskytte mot nysgjerrige øyne Det geometriske mønsteret for stuen er lett å utføre glassmalerier Målte glassvinduer på landingen er utført i samme stil Karnappvinduer er godt egnet for glassmalerier Takinnsats kan dekoreres med filmmalte glass

Å lage glassmalerier er en kreativ og spennende yrke. De enkleste glassmaleriene kan også gjøres av barn. Og la arbeidet ditt ikke være som mesterverk fra verdensmaleriet, men de vil bringe originalitet og en partikkel av din personlighet hjem til deg.

Denne metamorfosen til observatøren ble formidlet godt av Andrei Bely i diktet høst. Høsten beskrives av ham som et opptog generert av knust glass:

Stort glass

smaragd rimmet

knust til smedere av den fantastiske vinden ... 115

Sløret er endelig delt. En observatør står mellom de smuldrede vinduene.

Og noe skummelt for meg plutselig

åpnet seg.

Og jeg skjønte - en sirkel har lukket seg ... 116

Paradokset med Bettys beskrivelse er at følelsen av en ond sirkel oppstår av at glasset knuses til fragmenter, det vil si fra en uendelig åpning, fra et gjennombrudd av membranen. Nedbrytningen av lukkingsrommet skaper en viss sentral akse av glassplassen, som organiserer en spiral av uendelig bevegelse rundt seg selv.

En lignende rommodell skapt av endeløs utvidelse av åpenhet ble utviklet av Bruno Taut i det utopiske prosjektet "Peace Builder" (1920) 117 . Dette prosjektet, definert av Tout som "et arkitektonisk syn for symfonisk musikk", består av 28 grafiske ark, en slags tegneseriestripe, eller rettere sagt et storyboard av en tenkt film. Det første arket skildrer en scene med et divergerende gardin. Et tomt trinn åpnes, og bygningen av glass begynner å vokse fra.

111 A. hvit. Dikt og dikt. M.-L., 1966, side. 149.

116 På samme sted, med. 150.

117 B. Taut. Der Weltbaumeister. Hagen, 1920.

gotisk katedral. Betrakters øye nærmer seg en voksende struktur. Men i stedet for å stoppe, etter å ha snublet over en vegg, kan han uendelig bevege seg inn i strukturen, bestående av en fancy ligatur av gjennomsiktig arkitektonisk blonder. Strukturen i strukturen endres når du ser i glasset. Nå blir seeren presentert for en kaotisk konglomerasjon av splittede fragmenter, mellom som til tross for deres tilsynelatende tetthet, fremdeles er det åpent rom for bevegelse. Til slutt blir stablingen av elementer mindre og mindre tett, og bevegelsen åpner for et nytt tomrom som gir oss tilbake til den tomme scenen. Men nå er denne scenen et kosmos. Stjerner dukker opp. En av dem er en enorm katedral i glasskrystall. Så kommer landet hvor husene spirer fra. Et av disse husene - krystallhuset - tiltrekker oppmerksomheten fra betrakteren. Huset vokser. Øyet nærmer seg det og kommer inn i det og trenger inn i sin gjennomsiktige struktur, så lenge det ikke viker for en ny kaotisk haug med abstrakte former.

Tauts imaginære film er således konstruert som en syklisk repetisjon av den samme bevegelsen. Dets sykliske natur skyldes det faktum at denne bevegelsen ikke kan stoppes, den foregår i sfære av total permeabilitet. Øyebevegelse kombinerer motivet til et uendelig ekspanderende rom (glasskatedraler ser ut til å vokse, slik at observatøren får øye) og fragmenteringen av synet som følger med det. Fragmentering fører til en terskel utover som et tomrom dukker opp igjen, og bryter bevegelsen til en ny arkitektonisk form. Hvis du forestiller deg verdensbyggerens rom, pulserer det hele tiden, for deretter å utvide og dele formen, deretter begrense og sette sammen skjemaet på nytt. I likhet med Bely, er det bygget rundt den sentrale aksen til et glassplass, og organiserer en spiral av uendelig lukket bevegelse.

Men det er en underlig funksjon i Taut-prosjektet. Den dynamiske filmen "The Builder of the World" av en eller annen grunn blir likevel beskrevet av Tout som en teaterforestilling; det begynner og slutter med bildet av gardinen og scenen. Dette betyr at Taut tenkte på sin non-stop penetrering i rommet samtidig som stillheten til betrakteren i teatersalen. I en viss forstand er et slikt syn motivert. Tross alt innebærer glass samtidig gjennomsiktighet, fraværet av en hindring for utsikten og impermeabilitet, hardhet, som utelukker fysisk penetrering i det.

Øyens reise i Peace Builder minner delvis om Priestleys resonnement (se kapittelet "Veil") om permeabiliteten til gjennomsiktig materie på atomnivå, hvor uforeneligheten mellom materialet og det åndelige slutter å være relevant.

Imidlertid var sannsynligvis den nærmeste kilden til ideen om bevegelse, kombinert med stillhet, populære spekulasjoner om den fjerde dimensjonen på begynnelsen av århundret. Et av motivene assosiert med ideene til den fjerde dimensjonen gjaldt bevegelsen i "hyperspace", ikke ledsaget av bevegelse i rommet. Dette motivet finnes i Alfred Jarry (som vil bli diskutert i kapittelet “Clinamen”), Frantisek Kupka, Gaston de Pavlovsky og andre. 118 Pavlovsky beskrev for eksempel i sin bok "Journey to the Country of the Four Dimension" (1912) en slik bevegelse som "transformasjonen (transmutasjonen) av tidsatomer":

"Siden den fjerde dimensjonens verden er kontinuerlig, er ingen bevegelse i ordets vulgære forstand, lik den som forekommer i den bevegelige tredimensjonale verden, mulig i den. Bevegelse skjer gjennom utveksling av kvaliteter mellom nabolandet atomer; hvis vi bruker et grovt bilde, når skipet beveger seg, vannet atomer foran det blir konvertert til atomene i skipet, mens bak atomene til skipet blir konvertert til atomene i vannet 119

På Taut har vi et bilde nær det som Pavlovsky malte. Observatøren forblir på plass, selve mediet til glasset - glasset - forvandles hele tiden foran øynene våre, splitter, tynnes, mister og får form, som om atomene i skipet blir forvandlet til vann og vann til et skip. Metaforen for den fjerde dimensjonen spiller utvilsomt en viktig rolle i forståelsen av åpenhet på begynnelsen av 1900-tallet. Jeg vil imidlertid ikke nøle med det. En utflukt i denne retningen ville føre oss for langt.

Eksplosjonen av interesse for Scheerbart og glassarkitektur i andre halvdel av 1910-årene var forårsaket av en rekke årsaker. HA

118 En detaljert kommentar til dette finner du i boken: L. D. Henderson. Den fjerde dimensjonen og ikke-euklidisk geometri i modemkunst. Princeton, 1983.

119 G. de Pawlowski. Voyage au betaler de 1a quatrieme dimensjonen. Paris 1962, p. 79.

begynnelsen av verdenskrig praktisk talt fratatt arkitekter arbeid, byggingen stoppet. Derav den kraftige økningen i interessen for feltet ren spekulasjon - alle slags utopier av byutvikling. Den kulturelle myten skapt rundt glassarkitektur møtte forhåpningene til kunstnere som møtte gruene fra den militære virkeligheten. Ideene om verdensenhet, et fabelaktig fredelig paradis ble betydelig oppdatert.

Menneskeheten trengte en radikal transformasjon. Prestisje for politikere som ledere for nasjoner har falt kraftig. Symbolister har lenge utviklet en kult av kunstner-supermannen som hevdet å være den fremtidige lederen (spesielt intenst i kretsen til Stefan George). Denne kulturen varte ikke lenge. Den blir erstattet av kulturen til en praktisk kunstner, ingeniør, byggmester, som er i stand til å motvirke intellektuell estetikk med en ekte ting - for eksempel Lesabendio fra Sheerbarts roman. Og til slutt, den dypeste krisen der Europa ble kastet ned, krevde en åndelig vekkelse, noe som ble forstått av mange i kategoriene gjenopplivning av religiøst følelse eller bygging av en ny humanistisk kirke. Myten om glass stemte overens med alle disse følelsene. I tillegg svarte han på noen mer spesifikke kunstneriske søk fra sin tid. For eksempel søket etter en ny, "sterk", organisk stil i arkitektur. Eklektisisme ble allerede delvis erstattet av modernitet, som foreslo et relativt effektivt prinsipp for styling basert på organomorfi (som spilte en enestående rolle i glassmyten). Men moderne i den nye settingen fremsto som en ideologisk svak stil, orientert mot borgerlig individualisme (det er ikke tilfeldig at moderne har utviklet seg mest effektivt i konstruksjonen av herskapshus, kirkearkitektur, for eksempel i Gaudi, er et eksepsjonelt fenomen for moderne).

Jakten på en ny katolisisme og en skarp avvisning av den borgerlige bevisstheten av en ny generasjon kunstnere fremhevet gotisk. Men ikke den praktiske nygotikken på slutten av århundret, men heller det gotiske idealet. Wilhelm Warringer, som spilte en fremtredende rolle i denne åndelige omorienteringen, hevdet at den gotiske ånden er den nasjonale tyske ånden, hvis formative vilje strekker seg gjennom tidene. Gotisk blir til et prinsipp formulert i følgende uttrykk:

"... det gotisk arkitektur klarer å uttrykke kommer til uttrykk i den<...> i motsetning til steinen. Dets uttrykk er ikke bygget på materie, men gjennom negering av sistnevnte, bare gjennom tilstanden av dematerialisering

<...>. Det motsatte av materie er ånd. Å dematerialisere en stein betyr å spiritualisere den. " 120 .

Denne typen omtenking av gotisk begynte selvfølgelig lenge før Vorringer. Reskin i The Seven Lamps of Architecture (1849) så allerede i den gotiske katedralen en slags modell av åpenhet der arkitektur ikke er noe annet enn en scene for lysets manifestasjon. Etter hans mening i et gotisk tempel

"... oppmerksomhet er fokusert på gjennomtrengningsformene, med andre ord lyset som er synlig fra innsiden, og ikke mellomsteinen. All nåde fra vinduet ligger i omrissene av lyset." 121 .

Reskin gir en ekspressiv beskrivelse av hvordan lys trenger gjennom stjernemønsteret til et vindu, som ser ut til å bli ført inne i bygningen, slik at stjernen selv henger over de troendes hoder. Han beskriver dette fenomenet som den endelige seieren av lys over "grovheten i mellomrommet", det vil si faktisk over selve steinforsterkningen av bygningen.

På mange måter utvikler Vorringer bare ideene sine, men i en annen historisk kontekst. Nå er glassarkitektur den direkte etterfølgeren til gotisk, siden det er i dette materialet materialet blir dematerialisert. Riktig nok påpeker Vorringer at i gotisk spiritualitet foregår i strid med materialet, av styrken til den kunstneriske ånden, og i glassarkitektur er det som om passiv, "bare på grunnlag av nytt materiale" 122 men den åndelige slektsgrunnen til glass lider ikke av dette.

Ernst Bloch i The Spirit of Utopia (1918.1923) ser på gotisk legemliggjørelsen av organomorfisme, der I mister sin form og blir formløs og sprer seg til hele det omkringliggende universet. Dessuten blir oppløsningen av materien i lyset forstått av ham som en total organomorfisk transformasjon av verden:

"... lyset går, multipliserer, brenner i disse steinene, i disse statuene, i denne menneskets hjerte;<...> veggen har blitt revet ned, vinduer med flere farger åpner seg mot et enormt landskap, vi er omringet av kjærlighet, omgitt av himmelske verter ... " 123

_____________

120 WorringerW. Formprobleme derGotik. Munchen, 1911, S.68-69.

121 J. Ruskin. Arkitekturens syv lamper. London-New York, 1907, s. Ca. 58.

122 Worringer W. Formprobleme der Gotik, S. 72.

123 E. Bloch. L "esprit de 1" utopie. Paris, 1977, s. 39.

En retur til gotisk blir til en ny messianisme. Karl Scheffler ba for eksempel om å "gjøre ordet" gotisk "om til mottoet for et spesielt program og tale for lederen mot et nytt mål - den gotiske ånden" 124 Byggingen av en ny katedral og etableringen av en ny gotisk ble gjenstand for opphetet debatt i 1919-1921 125 . Ideen om en ny katedral og et gotisk glass blir fetisjert i Bruno Tauts krets. En rekke motstandere er imot den, som mener at den "store ånden" gir opphav til stor arkitektur, og ikke omvendt. Blant kritikerne av det nye hellige arkitekturprogrammet er Theodor Hoyce, Emil Fader, Paul Fechter. I mange prosjekter fungerer den gotiske katedralen imidlertid som en ren metafor. Graveringen av Lionel Feininger som pryder Bauhaus-manifestet, viser en gotisk katedral kronet med tre stjerner. 126 . Det er tydelig at den direkte vekkelsen av det gotiske ikke var inkludert i Bauhaus-programmet.

Scheerbarts kobling av kirkearkitektur og glass, blant annet, stolte på en lokal tradisjon: glassblåsende kirker i Böhmen og Bayern. Disse kirkene, dekorert med farget glass fra innsiden, produserte ifølge øyenvitnes beretninger et magisk inntrykk: "I dypet hang en lysekrone, storslått, som en krone av et glass magisk tre<...>. Farget glass flimret av varme. Overalt hvor klokkespillet er: glassmalerier, glasslamper, pilegrimslamper på glassstenger. Glass! Glass! " 127

I 1914 fortsetter Bruno Taut til den praktiske implementeringen av Scheerbart-programmet. Han illustrerer mulighetene for glassarkitektur i sin paviljong for glassindustrien på Köln-utstillingen Werkbund. Glasspaviljongen til Taut hadde en ekstremt bred resonans. På en betongsokkel reiste Taut en fjorten-sidig glasstrommel toppet med en krystallinsk glaskuppel. Eksternt ble bygningen tenkt som et krystalltempel. Rundt ham var glasskuler - direkte ekko av fekh-

124 K. Scheffler. Der Geist der Gotik. Leipzig., 1917, S. 106.

125 Se G. Lindahl. Von der Zukunftkathedrale bis zur Wohnmaschint. Deutsche Architektur und Architekturdebatte nach dem ersten Weltkrieg. - Idé og form. Studier i kunsthistorien. Stockholm 1959, S. 258.

126 Stjernene symboliserer mest sannsynlig Messias fødsel og blir henvist til Stjernen i Betlehem. For en tolkning av dette symbolet se: R. Banham. Glassparadiset. - The Architectural Review, v. 125, nr. 745, feb. 1959, s. Ca. 89.

127 J. Bau. Die Glasmacher i Bohmer-und Bayerwald i Volkskunde und Kulturgeschichte. Regensburg, 1954, S. 129.

nero og Scheerbart organomorfiske fantasier. Bygningen med baller rundt omkretsen ble tenkt som en modell av det organiske universet. Under kuppelen var en utstillingshall. Det fasetterte kuppeldekselet var laget av doble vinduer. Utenfor var det foret med speil, innvendig med glassmalerier. I første etasje var det en syv-trinns vannkaskade (paradisefossen). Umiddelbart i nisjen var et kalejdoskop som kontinuerlig projiserte en skiftende strøm av farget lys. Om natten ble bygningen opplyst fra innsiden og så ut som en ekte farget krystall. Bygningen var direkte relatert til de koloristiske søkene innen maleri, som, som jeg nevnte, ofte ble tolket gjennom kodene for glassmytologi. Taut ønsket å designe sitt “tempel” med “Delaunay belysningskomposisjoner” 128 . I glassveggene i bygningen ble det montert maleri på glass av Max Pechstein, Jan Thorne-Prikker, Joseph Margold og andre. Bygningen ble viet til Sheerbart, som deltok på åpningsseremonien og skrev for de fjorten ansiktene til trommelen 14 slagord, slik som følgende: "Lys trenger inn i verden og får liv i krystallen", "Glass åpner en ny tid, teglbygninger gir bare ondskap" 129 .

Rett etter slutten av første verdenskrig, som avbrøt nybegynnelsen innen arkitektur, samlet Taut rundt seg en gruppe unge entusiaster som var fast bestemt på å realisere Sheerbart-myten. I november 1918 ble "Workers 'Council of the Arts" opprettet i Berlin, organisert etter modellen til Soviets of Workers Deputies. Leder for rådet er Taut. Denne kunstorganisasjonen tenker på seg selv som en fullmektig representant for folks vilje innen kunstfeltet. Hovedrollen i rådet spilles av arkitekter. I erklæringene fra Rådet, i stor grad skrevet av Taut, blir arkitekten som uttrykker folks vilje utropt til den nye lederen for nasjonen. I august 1918 skrev Adolf Bene, en av gruppens ledende teoretikere og en fanatisk Scheerbart-fan:

"Verden fremfor alt er konstruksjon, ikke maleri og ikke skulptur. Konstruksjon er verdens kunst<...>. Arkitektur er helt fri for menneske i ordets jordiske forstand<...>. Hun kan uttrykke det kosmiske. I en tid hvor arkitektur er enkel og

128 C. Junghanns. Bruno Taut 1880-1938. Berlin., 1983, S. 28

129 Cit i: D. Sharp. Paul Scheerbarts Glassverden. I: Glass Architecture av Paul Scheerbart ... p. 14.

direkte viderefører rombyggingen, maleri og skulptur skal undersøke det som allerede er dannet i rommet " 130 .

I sin romkonstruksjon kalte Bene å følge ånden til Fechner og Scheerbart.

Inspirert av pathos fra novemberrevolusjonen var rådsmedlemmer klare til å ta på seg disse overmenneskelige oppgavene. I april 1919 arrangerte rådet en utstilling med ukjente arkitekter. Tidlig i 1919 åpnet Bauhaus i Weimar, et program relatert til arbeiderrådet. Taut-gruppen gir ut bøker, lager mange fantastiske prosjekter, hvorav de fleste ikke er blitt realisert, og er aktivt engasjert i teoretisering, som i stor grad ligger i mainstream av mytebygging. Dette teoretiske arbeidet utføres mest intensivt i gruppens private korrespondanse. Manifestbokstavene som går langs kjeden, danner enheten som ble døpt av deltakerne i korrespondansen med Glasskjeden (1919-1920). Tekstene til Glasskjeden danner senere grunnlaget for publikasjonene til Frühlicht (Dawn) -magasinet (1920-1922) opprettet av Taut i Magdeburg.

Fokuset for gruppen er glass. Bene gjentok argumentet fra Vorringer, koblet glass med kosmisme:

"Ikke et enkelt materiale overvinner resolutt materie som glass. Glass er et helt nytt, rent materiale der materie smelter og smelter. Av alle materialene vi har, tynges det mest til elementene. Det reflekterer himmelen og solen og lignende glødende vann<...>. Glass fungerer som ekstremenneskelig, mer enn menneskelig. " 131 .

De mest detaljerte arkitektoniske utopiene til gruppen tilhørte Bruno Taut selv og kom til uttrykk i tre bøker fra rådet: “The City Crown” (1919, startet i 1916), “Alpine Architecture” (1919), “Destruction of Cities” (1920). Alle bøkene omhandlet ødeleggelse av megasiteter og erstatning for dem med utopiske bosetninger, i sentrum der det alltid var et krystallformet glasspalattempel. I Destruction of Cities trykte Tout et bosettingsprosjekt i form av en gigantisk glassblomst som vokste fra bakken. 132 ,

130 A. Behne. Die Wederkehr der Kunst. Leipzig, 1919, S. 43-44.

131 Ibid., S. 67.

132 On hos A. Strindberg i "Game of Dreams" (1902) et slott som vokser fra jord til lys som en blomst. - A. Strindberg Game of Dreams. Favoritter. M., 1994, p. 423.

"Alpin arkitektur" - et prosjekt for å forvandle fjell til glasspalass-krystaller - ender med fantasier om romarkitektur. I "Denne boken inneholder prosjektet til et" krystallhus i fjellet. "" Bygget helt av farget krystall. I området med snøfelt og breer. Bønn, uuttrykkelig stillhet. Temple of Silence " 133 . Dette tempelet, som minner om det australske tempelet av stillhet fra Sherbart, kombinerer mytologien om glass, is og fjell. Fjellets symbolikk, som forhekset selv de tidlige romantikere, fikk en kraftig drivkraft fra Wagner og Nietzsche. På århundreskiftet ble et øyeblikk ekstremt intensivert i den kulturelle myten om fjellet - fjellet fortolkes kontinuerlig i form av streben etter lys. I 1909-1911 forbereder E. Munch et maleri for Universitetet i Oslo, i sentrum er et "menneskelig fjell" av en vag krystallinsk form, rettet mot solen

I 1908 beskriver Gustav Le Rouge i romanen "Prisoner of the Planet Mars" et underlig glassfjell, hvis toppen er laget av ren krystall, og dermed reflekterte solstrålene, som konsentrerte dem i en fjelldal, og skapte et spesielt tropisk mikroklima. I en dal oppvarmet av disse fjellparabolske speilene, var det et paradis med enorme blomster som så ut som menneskelige øyne. "Denne dalen," sier Le Rouge, "kan i prinsippet betraktes som et forbedret drivhus av utrolig størrelse." 134 .

Disse kvasi-symboliske fantasiene i rådets aktiviteter tilegner seg mer spesifikke trekk. Vi snakker om den sekundære utviklingen av sosial utopi, men ikke i ånden av utopisk sosialisme, men i ånden til symbolistisk utopi. Karl Schmidt-Rott-Luff drømmer om en fjellby i det nye kristne samfunnet 135 .

Strindberg tilhørte den samme Berlin-sirkelen som Sheerbart (den inkluderte også den gotiske fanatikeren S. Pshibyshevsky og forfatteren av fantasien om glassbyen P. Hill). Prosjektet med den voksende blomsterbyen i Taut går helt sikkert tilbake til disse kunstneriske utopiene fra århundreskiftet og utvikles gjentatte ganger blant annet i hans teater- og filmprosjekter - i begge tilfeller spillefilmen "Peace Builder" (1920) og i manuset "Galoshes of Happiness" (1920), som var uklar med kjeden, i begge tilfeller. Glasshus som vokser som blomster, blir temaet romarkitektur. N og blomsterhusmotivet ble også påvirket av Art Nouveau glassvaser laget av kunstnere som Halle og Tiffany i form av blomster.

_________

133 Glassarkitektur av Paul Scheerbart og Alpine Architecture av Bruno Taut, p. 121.

134 G. Le Rouge. Le prisonnier de la planete Mars. Paris, 1976, s. 285. Det er karakteristisk at helten når Mars som et resultat av en spiritualistisk astral reise,

135 Ja! Stimmen des ArbeitsratesfurKunst i Berlin. Charlottenbourg, 1919, S. 91.

Caesar Klein om en fantastisk by, "kronet av katedralen til den store ukjente guden, kastet opp en pyramide av gyllent glass, fasettert av tusen krystallfjes" 136 . Gjenopplivningen av menneskeheten er planlagt på grunnlag av en uklar kosmisk tro, hvis gud er ukjent. Temaet for den nye religionen er et av de mest populære i forfatterskapet og glasskjeden. Dogmen hennes ligger helt i tråd med symbolistmetaforikken i Sheerbart-Fechnerian-betydningen.

Rundt Taut kom mennesker av ekstremt forskjellige kunstneriske ambisjoner sammen. Glasskjeden inkluderte: Karl Crail, Paul Gescht, Hans Sharoun, Jacobus Gettel, Hans Hansen, August Hublik, Max Taut, Wilhelm Buckman, Herman Finsterlin, Vasily Lukhardt, Walter Gropius og Bruno Taut. Adolf Bene ble også med i gruppen. En vanlig mystisk patos forente alle.

"Glasskjeden" inneholdt Khabliks tekst, der gruppen forkynte bygging av en ny bok: "Bøker", som ville gjøre det unødvendig og glemme alle bibler og koraner, alle "hellige" skrifter - i den grad den ville snakke om skapelsens religion - i den grad det ville være skapelsens religion " 137 . Dette er en ny demiurgisme, som likestiller arkitektur med skapelsen av verden, en ny religion og et nytt skriftsted. Det er selvfølgelig ingen tilfeldighet at Whitman's Leaves of Grass ble omgjort til en slags hellig tekst blant tyske ekspresjonister. 138 . Det var Whitman som eide kravet om å lage en ny bibel skrevet på bladene til den nye Eden. Og det er selvfølgelig ingen tilfeldighet at Max Taut, Brunos bror, skriver om visjonen om "hus som vokser på trær i stedet for blader" 139 . Dermed blir ønsket om organomorfisme, drivhusmyten dannet til en ny mytologisk nod. Bruno Taut, som signerte brevene sine i Glasskjeden med pseudonymet Glass,

136 ibid ., S. 49.

137 Die Glaseme Kette. Visionare Architekturen aus dem Kreis um Bruno Taut 1919-1920. Berlin 1963, S. 16.

138 L.-G. Buchheim. Die Kunstlergemeinschan Briicke. Feldafmg, 1956, S. 37-39.

139 Die Glaserne Kette. S. 20. Jfr. med motiv av en glassbok av V. Khlebnikov:

"City of glass sider,

Åpner dem med en bred blomst på ettermiddagen

Og stenger for natten. "- Khlebnikov V. Samlede verk, bind 5. L., 1933, s. 89.

smelter Hublik-temaet i boka (hele "Glasskjeden" kan forstås som en glassbok), men tolker den allerede i kategoriene i Gralen (det er kjent at Gralen ikke bare ble forstått som en krystallkopp, men også som en mysteriumbok) og kaller hele gruppens aktivitet "mysterium" 140 . Og til slutt lanserer Herman Finsterlin, kanskje gruppens mest originale teoretiker, den åttedags mystiske mysteriet om åttende dag på kjeden, og Finsterlin tegner et bilde av livet i det ytre rom, arkivert i arkitektoniske bilder. Alt pulserer her, beveger seg med intens plasmastråling, opplever katastrofale mutasjoner. Og i sentrum av en enorm verdensbygning dreier det "et kalejdoskop av uendelig all-naturlighet" 141 (sammenlign med et kalejdoskop i glasspaviljongen til Bruno Taut).

Ufattelig, som forvrengte snegler og fantastiske krøller av en bygning i Finsterlins prosjekter - dette er et radikalt forsøk på å syntetisere et helt sett med nye arkitektoniske mytologier i designet. Arkitekten prøver å finne en balanse "mellom krystall og amorf", som en balanse mellom statisk og bevegelse, konstruktiv og organomorf: "Inne i nye hjem vil folk ikke føle seg som innbyggere i en fantastisk krystalldruse, men innbyggere i innsiden av en levende organisme" 142 . Finsterlin forsyner huset sitt med ingenting som glassgulv, designet for å "drive" en person ut av huset til et uendelig "vegetativt" rom. Og, selvfølgelig, et nytt hjem for ham er "The Graal daglig etterfylt med kreftene i vår pulserende jord" 143 .

Finstrelins prosjekter er de mest fantastiske og dristige i gruppens aktiviteter. Men i nesten alle arbeidene til deltakerne i rådet og "kjeden" blir den samme kulturelle myten utarbeidet. Vasily Lukkhardt i 1920 oppretter et prosjekt av kirken i form av en krystall. Hablik lager oppsett og skisser av bygninger som ligner på glasskrystalldråper, Hans Sharoun oppfinner bygninger i form av blomster, Johannes Molzan lager glassglasset sitt, Max Taut oppfinner Folkets hus i Grunewald i form av en krystallblomst og bruker mye plantekrystallformer i andre prosjekter, etc. Selv blant arkitekter ser det ut til,

140 Die Glaseme Kette, S. 39.

141 Ibid., S. 32.

142 H. Finsterlin. Innenarchitektur. - Frulicht, 1 Jg, H.2, Vinter 1921-1922, S. 36.

143 Ibid., S. 36.

ganske langt fra glasskulturen, som Hans Pelzig eller Erich Mendelssohn, er ekkoene av denne kulturelle myten åpenbare. Mendelssohn bygde for eksempel sitt berømte Einstein-tårn som en skisse av den fremtidige katedralen. Tårnet skulle absorbere lys ovenfra og ved hjelp av speil reflektere strålene i fangehullet 144 helt i ånden til det "lettfangende tårnet" fra Sheerbarts Lazabendio.

På samme ideologiske linje bør man ta i betraktning de mer berømte og mindre utopiske prosjektene på samme tid - utformingen av glassskyskraperen på Friedrichstrasse (1919) av Misa Vander Rohe, hans egen design av glasstårnet (1921) eller “Glass Tower” av Frank Lloyd Wright, med sine ideer "organisk arkitektur" og kultkulturen, uttrykt fullstendig i Taut-Bene-kategoriene 145 .

Her er det selvfølgelig ingen måte å til og med dvele kort med i dusinvis av prosjekter med glasshus opprettet av medlemmer av Taut-gruppen og arkitekter som befinner seg i ideenes krets.

Den mystiske spenningen til myten begynte å falle kraftig i midten av 20-årene. Arkitekter fant arbeid Glasshus begynte å slå rot og mister følgelig sin utopiske dimensjon. Den sosio-spirituelle revolusjonen, forventet av den utbredte adopsjonen av glass, skjedde ikke. Det er betegnende at Bruno Taut selv veldig raskt beveget seg bort fra glasskulten, slik at boligområdene som ble bygget av ham i tyveårene har lite til felles med den arkitektoniske utopien som ble dyrket av ham. Mytologisk anakronisme er for eksempel prosjektet til en glasskirke på et fjell som ble presentert i 1928 for en kirkearkitekturkonkurranse av Peter Grund, der den troende skulle trenge dypt ned i stupet til vannkaskaden, og deretter til helligdommen, over hvilken glasshvelvet brant med fargerike lys 146 .

Vandalion Light Steel, den makeløse rustningen til Woolhel Watch

Under de nylige konfliktene på Festhold mistet det store biblioteket noen oppslagsverk, så Hans eksellens Kinlord Rilis ba de ledende mestrene i Auridon om å skrive nye for å erstatte dem. For en omfattende beskrivelse av glasshåndverksstilen, vendte selvfølgelig vår kloke hersker til meg.

Glass maces og hammers har tunge, om enn grasiøse, stålhoder med flekker med glasspisser. Håndtaket er laget av tett elastisk treverk, for eksempel aske, dekket med stål seler og ender med en stålskive massiv nok til å balansere hodets vekt litt. Dette lar deg rotere dette langhåndsvåpenet nesten som en stab.

Summerset glassdolk er de beste kampknivene som mulig. Kuttekanter og spisser er vanligvis laget av glass i slike dolk, og toppene er trimmet med det; selve skaftet, beskyttelsen og bladet er laget av stål. Dette våpenet er like godt egnet til å forårsake kutt- og stikksår, så vel som for å parre slag.

Glassbuer - kompositt og buet; hiltet er laget av tre, skuldrene til hornet. De bøyde delene av skuldrene er ferdig med glass for større styrke. Glassfrie deler av baugen er ofte lakkert under metallet, slik at gjenskinnet av reflektert sollys blender fiendenes øyne når en løsgjøring av bueskyttere hever buer for en volley.

Et glassverd er en intrikat kombinasjon av et stålblad og hilt med en glassspiss og skjærekant. Spetsen av sverdet kan være ganske bredt og til og med ha et "fjær" kutt, designet for å drenere blod. Til tross for størrelsen, er disse lette bladene elsket av sverdmenn for sin brukervennlighet og holdbarhet i kamp, \u200b\u200bsiden glasssverdet forblir skarpt når et sverd laget av rent stål eller en hvilken som helst legering ville blitt kjedelig.

bryst

Chevron-puter på glasscuirass gjør dem lik den muskuløse brystkassen til en stor vinget skapning, og faktisk er tallerkenbrystplater ofte dekorert med bilder av ørn, drager eller steinryttere. Pansringen er laget av lær, stål og glass, og det er like mye ekstra glasskant som kjøperen har råd til.

scapulær

Glassskuldre kombineres i form med smekkene, fortsetter det vingede motivet og går ned til skulderhåndtaket. I den marine versjonen av denne stilen ligner de på bølger i stedet for vinger i form.

HANSKER

Votter av glass er vanligvis tynne elastiske lærhansker med glassstriper for å beskytte baksiden av hendene og armene. Albuene lukkes av trihedrale albuer i glass, og gjentar formen på skulderputene.

Lett, middels eller tungt - alle briller i denne praktfulle stilen er laget av slitesterkt, men fleksibelt skinn og ferdig med glass. Hele forskjellen ligger i volumet og tykkelsen på glassforet og størrelsen på glasset på knestykkene som beskytter knærne.

En trollmann i en glassstil vil være stolt av enhver veiviser. Den lange trestokk, beskyttet av stålstag for å gjøre det mulig å avverge slag, er ganske enkelt i seg selv, men glassstavene er berømte for sine dyktige vingetopper. Stålknotten, ofte utsmykket med en stor turkis stein, åpner til sidene med et par fantastiske glassvinger som ligner enten fugle- eller flaggermusvinger eller drager. Og det ser ut til at inni bommen flimrer en brann.

Beltet fra settet med glasspanser er vanligvis et helt belte av noe eksotisk skinn, dekorert med et ornament av glassbiter av en romboid eller femkantet form. Den geometriske formen på lårbenkenes plater avhenger av hoftenes form. Beltet kan også ha et V-formet plateskjørt for å beskytte lysken.

Virkelig elegante sko! De kan variere fra slitesterke skinnmokkasiner med tær i glass i et sett med lett rustning til sabatoner laget av stål og glass i tung rustning. Deres elastisitet er ekstremt viktig, ettersom elvenesoldater verdsetter manøvrerbarhet over en tykk såle.

Fuglemotivet som er typisk for glassprodukter, er spesielt påfallende når det kommer til økser der glassbladene ligner vingen til en rovfugl i sin form. De fjærformede bladene er rent dekorative: hakket er for lite til å løsne bladet, men sporene er dype nok til å drenere blodet.

Glasshjelmer er en fortsettelse av det bevingede motivet til cuirasses og skulderputene. De er ofte utstyrt med pansrede rygger og forskjellige vinger, inkludert dekking av kinnene. Hver avsats er ferdig med polert glass. En glasshjelm av høy kvalitet er et verdig syn.

Sammenlignet med nesten metallskjerm, er glassskjold utrolig lette nettopp fordi de er laget av glassplater montert på en tynn stålramme. To kraftige glassvinger i et fuglemotiv åpent fra stålribber i sentrum for å spre "fjærede" kanter.

Merkevaren Tiffany er for det meste vanligvis forbundet med smykker og klokker.
Imidlertid ble inventar produsert av et annet selskap - Tiffany's Workshop, som ikke har noe med smykker å gjøre.
Skaperen av den første Tiffany-lampen er Louis Comfort Tiffany (Louis Comfort Tiffany) - en amerikansk kunstner og designer som grunnla Tiffany Glass Company, sønn av grunnleggeren av Tiffany & Co - Charles Louis Tiffany.
Tiffany-lamper dukket opp på slutten av 1800-tallet - antagelig i 1895 - som en av retningene til jugendstilen.

Utviklingen av glassmalerier på 1800-tallet har lenge vært i et stadium av å mestre de tapte hemmelighetene fra middelalderen og renessansen. En av de mest vågale innovatørene innen kunstnerisk glassproduksjon, etter å ha sluttet å se tilbake på arven fra fortiden, var amerikanske Louis Comfort Tiffany. Fremskritt innen kunstnerisk glassproduksjon i andre halvdel av 1800-tallet er uløselig forbundet med sine aktiviteter i å lage og bruke nye typer glass og forbedre teknikken for sammenkobling av dem.

Tiffanys personlighet

Tiffany ble født i 1848 i familien til en berømt New York gullsmed og var fra en tidlig alder involvert i "fine arts".
I 1865, i en alder av 17 år, reiste han til Europa. Glassmaleriene i Chartres-katedralen i Paris gjorde et uutslettelig inntrykk på ham og vakte interesse for glass.
Tiffany begynte sin kunstneriske karriere som maler, og etter at han ble kjent på dette feltet, begynte han å engasjere seg i glass. De første resultatene av hans aktiviteter innen glassmalerier tilfredsstilte ham ikke. Glass laget på den tiden oppfylte ikke kravene hans. Tiffany satte stor pris på lysets kraft og materialets naturlige skjønnhet. Etter hans mening skjulte malingsmaleri bare den naturlige skjønnheten i glass, fratok den effekten og gjorde et ubehagelig inntrykk. Tiffany mente at i oppfatningen av glassmalerier spilles den største rollen av effekten av åpenhet (gjennom lysgjennomgangen) og den dyrebare utstrålingen til fargede glass.

Tiffanys forsøk på fremstilling av farget glass fra glass av utenlandsk produksjon var ikke vellykket. Derfor, med støtte fra familien, anskaffet han en glassfabrikk og begynte å eksperimentere. På kort tid oppnådde han bemerkelsesverdige resultater og klarte å samle glassmalerier fra glass fra egen produksjon. Takket være bruken av en ny type glass - opalescent eller opal (noen ganger kalt regnbue, noe som ikke er sant), taklet han vellykkede oppgaver som bildet av overflaten av vann eller løvverk med en glassplate uten bruk av maling. Bare for bildet av hender og ansikter brukte han svarteskogen.
I 1900 var Tiffany allerede en av de mest berømte glassprodusentene i verden. Briller dukket opp i verkstedene hans, uten enestående fram til da. På lagerene i Tiffany, sannsynligvis det største i verden, var det opptil 200 tonn glass med rundt 5000 tusen forskjellige nyanser, som ble klassifisert og lagt ut etter et spesielt system.

Tiffanys oppfinnte kobberfolieteknikk var opprinnelig ment for fremstilling av lampeskjermer. Tiffany la stor vekt på lamper i utformingen av interiør og forsøkte å gjøre dem tilgjengelige for et bredt spekter av mennesker. Hans lampe "Blooming Lotus", satt sammen av 1600 glassstykker, med en diameter på 46 cm og en høyde på 35 cm, kostet $ 190 i 1906, og i 1989 på en auksjon i New York ble Christie solgt for 1,2 millioner tyske merker. Den relativt lave prisen skyldtes serieproduksjonen av verkstedet.
I 1905 var 200 personer ansatt i studio. Selv om mange stadier av arbeidet ble strømlinjeformet, forble hver lampeskjerm et unikt verk på grunn av sitt individuelle fargeskjema og det høyeste håndverket av manuell utførelse.
Ikke bare Tiffany selv og mestrene i studioet hans skapte produktdesign. For å legemliggjøre seg i materialet godtok han de beste prosjektene til andre kunstnere på den tiden.

For eksempel ble den berømte "Dragonfly" lampeskjerm, som mottok en grand prix på Paris Paris verdensmesse i 1900, designet av Clara Driscoll.

Ikke alle Tiffany-merkede lamper kommer fra dette verkstedet. Samtidig var det andre kjente selskaper som skapte lampeskjermer. Blant dem er Quezal Art Glass & Decorating Company, Crest & Co og Edward Miller & Co. Alle tjente i større eller mindre grad på suksessen som Tiffany vant med lampene sine på Paris-utstillingen i 1900, da de forårsaket en skikkelig boom.
I tillegg til lampeskjermer, ble lamparmaturer også designet i Tiffany-verkstedet: stativer, baser, ben, nagler og finials. Og her viste Tiffany seg å være en kunstner, kjærlig relatert til detaljene. Hans lamper er et integrert kunstverk, hvor lampeskjerm og inventar utfyller hverandre og danner en organisk enhet.
Å designe Tiffany-lamper i dag har blitt en hobby for mange. Du kan gjøre noen originale ting selv ved å kjøpe et sett med glassdeler og beslag til en lampe eller glassmaleri.

Tiffany briller

Glass til Tiffany er først og fremst farge. Som en maler på en palett, så i glassproduksjonen blandet han forskjellige toner og “malte” maleriene sine. Han valgte nøye farger, og hvis den nødvendige tonen ikke var i en glassplate, stablet han tre eller fire glass oppå hverandre i henhold til den såkalte “sandwich-metoden”, til han fikk ønsket tone. Det er tilfeller når Tiffany slo ut utilfredsstillende fragmenter med sin vandrende stokk fra et ferdig glassmaleri.
Tiffanys aktiviteter gjenoppretter utvilsomt glassproduksjon. Men han er ikke selv oppfinneren av opalescent glass (eller Tiffany glass). Denne fortjenesten tilhører John La Farge, som allerede i 1875 brukte opalescerende glass til glassmalerier. Etter en tid trakk andre kunstnere oppmerksomhet på en ny type glass og begynte å eksperimentere på dette området eller bare kopiere glasset til La Farge. Tiffany var intet unntak. To ganger jobbet han med La Farge i verkstedet hans i Brooklyn. Deretter satte Tiffany produksjon av opalescerende glass og gjenstander fra det på kommersiell basis. Samtidig inngikk han en avtale med La Farge om at lampeskjermer, glassmalerier fra opalescent glass og dette glasset i seg selv vil bære navnet Tiffany som et annet navn.
De fleste av glassene som brukes i Tiffanys arbeider er preget av uklarhet - deres opalescent effekt. Det oppnås ved å tilsette tette stoffer (tinn eller brent bein) til sammensetningen av råmaterialet. Når beinaske tilsettes i den smeltede massen, dannes det små dråper fosfatglass som "drukner" (sky) glasset. Effekten av et slikt glass er at det ikke så mye overfører lys som det bryter det. Avhengig av massen av ugjennomsiktige stoffer, kan forskjellige grader av opal effekt oppnås.

Selvfølgelig brukte Tiffany andre typer glass i sine arbeider, som ble brukt i glasskunst selv før ham. Blant dem er katedralglass, som er gjennomsiktig glass malt i bulk. Mellomstillingen mellom den opalescerende og katedralen er okkupert av fargeleggende glass, ved hvilken fremstillingen av de "dempede" og gjennomsiktige delene av glassmassen ikke blir fullt blandet, og således oppnås plater med ugjennomsiktige og transparente områder. Antikk glass lages også ved å blande gjennomsiktige og ugjennomsiktige masser. Strø du ferdige, men ennå ikke kjølte glass med metallkorn, vil du få iriserende glass. Samtidig dannes det en metallisk glans på overflaten av platen, som skinner av alle regnbuens farger. Irisglass ble også laget før Tiffany, men bare takket være ham ble det virkelig kjent.
Opalescent og katedralglass oppnås ved å rulle: en tyktflytende glassmelte rulles mellom to valser (eller ved bruk av en rulle på et bord), og en plate oppnås. Hver plate, både i Tiffanys tid og nå, er laget separat og har et unikt utseende. En strukturert overflate dannes ved å rulle med et passende mønster. En viss fargeeffekt kan oppnås ved å rulle sammen en masse forskjellige varmer. Ribbet glass eller “Drapery” oppnås ved å deformere en jevn myk plate. Tiffany brukte selv “draperier” og “bretter” i store glassmalerier. I den berømte komposisjonen "Magnolia" er blomster laget av dem. For best mulig effekt av disse glassene er et stort område av fragmentet nødvendig, siden de i små plater knuses for mye. Den uberegnelige overflaten til et slikt glass er en kilde til et sterkt svart-hvitt spill, som stadig skifter avhengig av synsvinkelen. Tiffany brukte slikt "brettet" glass til bakgrunner i form av plantemotiver eller for å skildre trær. Som regel forblir den ene siden av et slikt glass glatt og godt kuttet. Noen typer arbeid tillater ikke bruk av disse veldig "levende" brillene. I tillegg til flatt glass, brukte Tiffany glass “steiner” i noen av sine arbeider.

Tiffany teknikk

Blystavene som hadde vært brukt i århundrer for å koble glass sammen, syntes Tiffany veldig uhøflig: Han ønsket å lage filigran-subtile og sammensatte stykker. Han fant sin egen erstatning for blystrøk i form av kobberstrimler kuttet fra en metallplate. De ble limt på glasset med bivoks og loddet sammen med tinn. Dermed ble det mulig å koble de minste glassbitene og lage komplekse tredimensjonale former. Opprinnelig brukte han teknikken med kobberfolie for å lage lampeskjermer, og først senere - for glassmalerier. Noen ganger brukte Tiffany en kombinasjon av to teknikker i ett verk, der han kombinerte blytråd med kobberfolie.

Tiffany stil

Et interessant prosjekt kan miste attraktiviteten i det ferdige produktet på grunn av feil utvalgte briller. Tiffany valgte alltid veldig nøye fargen og tekstur på glasset for sitt arbeid. Det var denne kjærligheten til detaljer som skilte verkene hans fra arbeidet til andre kunstnere og var hemmeligheten bak suksessen. Det viktigste når du velger briller, er den rette kombinasjonen av fargenyanser og retninger på teksturlinjer. Fra de eksisterende glassplatene er det nødvendig å nøyaktig kutte ut fragmentet som er nødvendig for sammensetningen.
Mange av Tiffanys arbeider har en spesiell attraktiv kraft, selv om de kan virke for lyse og overbelastede for den moderne betrakteren. Når de prøver å forklare denne effekten, sammenligner de ufrivillig verkene fra Tiffany med malerier. Tiffanys arbeid har alltid vært mellom en realistisk skildringsstil og et stilisert, nær middelalderens glassmaleri. Uten å male overflaten på glasset skapte han glassmalerier som bare kan sammenlignes med malerier. Tiffany selv trodde imidlertid ikke at han prøvde å kopiere naturen. Han tolket det gjennom kunstnerens øyne.
Tiffanys verksted opphørte å eksistere i 1932, og kunstneren selv døde året etter. I dag i verden er det mange atelierer med ordet "Tiffany" i navnet sitt. De er ikke direkte tilhengere av tradisjonene til Louis Comfort Tiffany: ved å bruke teknikkene og materialene som har forherliget navnet hans, skaper de sine egne originale verk.
Noen ganger er Tiffany-teknikken feilidentifisert med Tiffany-stilen. Den første betyr bare en metode for sammenføyning av glassfragmenter ved bruk av kobberfolie. Og Tiffany-stil betyr lyse lamper i klassisk stil med rådende naturalistiske motiver og fargerike glassmalerier med mettede farger som skildrer naturlige motiv og landskap. De originale verkene til kunstnerinnovatoren forble i kunsthistorien: Mange av dem pryder private herskapshus, kirker, offentlige bygninger i Amerika, Storbritannia og Vest-Europa, de fleste av dem ble gjenstander for museesamlinger, antikke auksjoner og private samleobjekter.

Den første informasjonen om opalt glass på russisk går tilbake til slutten av 1800-tallet. I reklame for store glassmalerier, ble det omtalt Tiffany-briller. Verdensutstillingen i Paris, hvoretter hele verden snakket om Tiffany, ble et referansepunkt for å bli kjent med russere med arbeidet til den berømte amerikaneren. Tiffany-lamper ble solgt. Opalescent briller dukket opp på lager og blant varene til Handelshus begynte russiske fabrikker imidlertid ikke å produsere dem. I glassmaleriene fra begynnelsen av det tjuende århundre, bevart på trappene til boligblokker i St. Petersburg og Moskva, kan du se opalescent glass. Alle av dem er utenlandsk produksjon. De ble brukt i små fragmenter for fine detaljer om bildet og spilte alltid en underordnet rolle som den raffinerte tilsetningen av glassmaleriet.
Irisglass er kjent for oss av lamper i samlingene til mange russiske museer. Det er svært få ekte Tiffany-glassmalerier i Russland: vanskeligheter med å levere skjøre store størrelser, arkitektenes tradisjonelle orientering til tysk glassmaleri, gjorde dem til ekstremt sjeldne produkter i Russland. Så sjelden at forfatteren av artikkelen kjenner det eneste ekte Tiffany-glassmaleriet i landet vårt - det er utstilt på State Hermitage Museum og stammer fra museet til Academy of Technical Drawing oppkalt etter Baron A. L. Stieglitz.

For noen år siden var det imidlertid en versjon om at den første Tiffany-lampen ble oppfunnet av kunstneren Clara Driscoll / (1861–1944), som jobbet i Tiffany Glass Company. Denne versjonen er ikke offisielt bekreftet, men det er et sted å være.

Clara Driscoll var sjef for kvinnedivisjonen i Tiffany Studios, hvis ansatte var engasjert i å kutte glass (de såkalte "Tiffany Girls"). Det var de som valgte de glassbitene som skulle bli en del av tegningen av lampeskjermen. Før kunstneren kom til selskapet skilte lampene seg ikke så mye i design, hovedsakelig ble geometriske motiver brukt i designen.
Clara skapte mer enn 30 lampemodeller, inkludert de mest kjente og populære - Wisteria, Dragonfly (Clara fikk en bronsemedalje for henne på verdensutstillingen i Paris i 1900), Peony, og den aller første - påskeliljen.

Claras biografi er ikke typisk for kvinnene i hennes tid. Hun ble uteksaminert og etter å ha studert ved Cleveland School of Design og flyttet til New York, gikk hun inn i Metropolitan Museum of Art. En anerkjennelse av talentet hennes var en invitasjon til Tiffany Studios i 1888, hvor hun jobbet i mer enn 20 år. I 1909 giftet Clara seg, som var slutten på karrieren i selskapet - gifte kvinner ble forbudt å jobbe i Tiffany Studios.

De originale Tiffany-lampene, bevart i utmerket tilstand, er veldig populære blant samlere. De var alltid dyre, men på 20- / 30-tallet av forrige århundre begynte designen å bli ansett som foreldet, og i flere tiår viste de færreste interesse for Tiffany-lamper. Siden slutten av 60-tallet har de i økende grad blitt gjenstand for auksjonssalg - i 1985 ble Zinnia-lampen solgt for et beløp som oversteg en million dollar. Etter en stillhet på begynnelsen av 90-tallet av forrige århundre, begynte prisene å stige igjen. I dag er rekordprisen for en Tiffany-lampe 2,8 millioner dollar.
Berømte Tiffany lampesamlere inkluderer skuespiller og sanger Barbra Streisand. For en lampe fra samlingen hennes i 1994 betalte en ukjent person 717 500 dollar.

Skaperne av en av de største samlingene av Tiffany-lamper - den såkalte The Neustadt Collection - Dr. Egon Neustadt (Egon Neustadt) og hans kone Hildegard (Hildegard). Den første bordlampen ble kjøpt av dem i 1935. I 1970 ga legen ut boka “Tiffany Lamps”, der han klassifiserte dem i kategorier - avhengig av lampeskjermens form som ble brukt til å dekorere motivene osv.
I 1983, kort før hans død, overrakte Dr. Neustadt 135 lamper fra samlingen til Historical Society of New York. I leiligheten hans var det fortsatt hundrevis av Tiffany-lamper og glassmalerier, som ble grunnlaget for den moderne Neustad-samlingen